Portreti
Narisani portreti iz 15. stoletja - na primer Pisanello ali Jan van Eyck - se lahko štejejo za zaključena slikovna dela v njihovi koncentraciji, izvedbi in razporeditvi prostora. Jasna, občutljivo začrtana upodobitev sledi vsem detajlom površine, ki stremi k realizmu. Prednostni je profil, bogat s podrobnostmi; spominja na olajšanje, je podoben medaljonu. Naslednji v znamenju čistega profila je tričetrtinski profil z bolj prostorskim učinkom prišel do izraza, da je stoletja ostal klasična portretna drža.
Tesen odnos do slikarstva velja za praktično vse portretne risbe 15. stoletja. Celo tako silno delo, kot je Dürerjeva risba cesarja Maksimilijana, je nastalo kot portretna študija slike. Hkrati pa nekatere Dürerjeve portretne risbe jasno utelešajo zadnjo fazo umetniškega podjetja, ambivalentnost, ki jo lahko opazimo tudi pri drugih portretistih iz 16. stoletja. Dela Jeana in Françoisa Cloueta v Franciji in mlajšega Hansa Holbeina v Švici in še bolj izrazito v Angliji v istem stoletju so avtonomno risanje portretov podelila, še posebej, ko je bila risba zaključena s kredo različnih barv. Izbira mehkejšega medija, obrisa, ki je zaradi svoje natančnosti manj strogo samosvoj, bolj občutljiva notranja risba z ravnimi elementi pa daje tem risbam živahnejši, bolj oseben značaj in še enkrat bolj poudari njihovo bližino slikarstvu.
V tehniki polikromatične krede in pastel je portretna risba ohranila svojo neodvisnost v 19. stoletju. V 18. stoletju so bili Quentin de La Tour, François Boucher in Jean-Baptiste Chardin - vsi ti umetniki iz Francije - med glavnimi praktiki, celo Ingres, ki je živel v 19. stoletju, je še vedno uporabljal njegovo tehniko. V pastelnem slikarstvu je portret odtehtal vse druge teme.
Na izbiro poze, vrste in izvedbe na portretno slikarstvo, tako kot druge umetniške oblike, vplivajo splošne slogovne značilnosti epohe. Tako je skrajni slikovni drži poznega baroka in rokoka med neoklasicizmom sledila strožja zasnova, ki je dajala prednost enobarvnim tehnikam in gojila tudi posebno obliko silhuete, profilno konturno risbo s površino, zapolnjeno s črno barvo. Ustvarjalci portretnih risb zgodnjega 19. stoletja so se nedvomno zadolžili za svoje predhodnike iz 15. stoletja, še enkrat bolj usmerjeni v natančno izročanje detajlov in plastičnih učinkov, pridobljenih s pomočjo najbolj skrbno izbranih grafičnih medijev: tanek trdi svinčnik je bil njihov najljubši instrument, in srebrno točko so romantiki ponovno odkrili.
Bolj zainteresirani za psihološke vidike portretiranja so risarji poznega 19. in 20. stoletja raje mehkejše barvice, ki zlahka sledijo vsakemu umetniškemu impulzu. Zaseg značilnih elementov in ustrezen ravninski prikaz sta bila težja od njih kot realistične podrobnosti. Elementi razpoloženja, intelektualna napetost in osebna angažiranost so značilne značilnosti sodobnega portreta in s tem tudi modernega portretnega risanja, umetnosti, ki še naprej dokumentira umetnikovo osebno obrt, ki presega značilnosti različnih tehnik.
Krajine
Že v 15. stoletju so tudi krajinske risbe dosegle dovolj samostojnosti, da je težko razlikovati med končano študijo za ozadje določene slike in neodvisno samostojno skicirano pokrajino. Že v skicerih Jacopo Bellinija iz 15. stoletja (ohranjeni v albumih v Britanskem muzeju in Louvru) obstaja intimna povezava med naravoslovno študijo in slikovno strukturo; v Ticijevem ateljeju v 16. stoletju so morale biti prikazane krajinske skice kot predlogi za slikovna ozadja.
Toda Dürer je pokrajino razvil kot spominjano podobo in samostojno umetniško delo, skratka kot lastno temo brez sklicevanja na druga dela. Njegove akvarele, razen risb njegovih dveh italijanskih potovanj, okolice Nürnberga in potovanja po Nizozemski, predstavljajo najzgodnejše čiste krajinske risbe. Stoletja so morala preteči, preden so se takšne risbe ponovno pojavile v tej absolutni formulaciji.
Krajinski elementi so bili zelo pomembni tudi v nemških in nizozemskih risbah in ilustracijah iz 16. stoletja. Figurativna predstavitev, ki še vedno obstaja v večini primerov, je formalno precej vpeta v romantično pokrajino gozdov in travnikov, zlasti v delih podonavske šole - na primer Albrecht Altdorfer in Wolf Huber. Pogosteje kot v drugih šolah tukaj najdemo skrbno izvedene poglede na naravo. Na Nizozemskem je Pieter Bruegel narisal topografske poglede kot tudi proste krajinske kompozicije, v obeh primerih kot samostojna dela.
V 17. stoletju je naravoslovna študija in krajinska risba, ki je zrasla iz nje, dosegla nov vrhunec. Krajinske risbe Accademia degli Incamminati (tiste na primer iz Domenichina) so kombinirale klasične in mitološke teme z junaškimi pokrajinami. Francoz Claude Lorrain, ki živi v Rimu, je pogosto delal pod odprtim nebom in ustvarjal krajinske risbe z doslej nedosegljivo atmosfersko kakovostjo. Ta vrsta kultivirane in idealizirane pokrajine, ki jo upodabljajo tudi Poussin in drugi severnjaki s prebivališčem v Rimu (poimenovali so jih nizozemski rimisti, glede na to, da je v Rimu živelo toliko umetnikov z Nizozemske, da njihove risbe Italije dosegajo skoraj eterično kakovost), je v nasprotju z neheročnim konceptom krajine po naravi, ki ga imajo predvsem Nizozemci pri upodabljanju pokrajine svoje rodne države. Vsi krajinski slikarji - njihova krajinska slika je posebnost, ki je bila močno zastopana v umetniško specializiranih nizkih državah - ustvarili so tudi neodvisne krajinske risbe (Jan van Goyen in Jacob van Ruisdael ter njegov stric in bratranec), pri čemer je Rembrandt spet zasedel poseben položaj: pogosto je zajel značilnosti regije z le nekaj potezami, tako da jih je izboljšal tako, da dobijo monumentalno izrazno moč tudi v najmanjšem formatu. V Italiji iz 18. stoletja je topografsko verna krajinska risba postala pomembna s pojavom Vedutistov, dobaviteljev "pogledov", ki so sami tvorili skupino (med njimi Giambattista Piranesi in Canaletto [Giovanni Antonio Canal]) in pogosto delali s takšnimi optičnimi pripomočki, kot so okvir z zrnatimi vrati in obscura kamere. Krajinske risbe večje umetniške svobode in tudi namišljene pokrajine so najuspešneje storili nekateri francoski umetniki, med njimi Hubert Robert; slikovno in atmosfersko so te teme dosegle drugo cvetenje v narisanih pokrajinah angleških umetnikov, kot sta Turner in Alexander Cozens, katerih vpliv sega tudi v 20. stoletje.
Pripravljavci neoklasicizma in še več romantike so zaradi njihovega zanimanja za razmejitev naravo opazovali s topografsko natančnostjo. Kot novo "odkritje" je romantično in junaško pretiran alpski svet svoje mesto prevzel v umetnikovem umu ob arkadnem pogledu na italijansko pokrajino.
Krajinske risbe in še več, akvareli, so v 19. stoletju oblikovali neizčrpno temo. Francoski umetnik Jean-Baptiste-Camille Corot in proti koncu stoletja Cézanne in van Gogh sta bila med glavnimi ustvarjalci krajinskih risb. Pokrajine so bile del dela mnogih risarjev 20. stoletja, vendar je bil žanr kot takšen že večino stoletja drugo mesto med splošnimi oblikovnimi problemi, v katerih je bila tema obravnavana zgolj kot izhodišče. Vendar se je v zadnjih 30 letih 20. stoletja v reprezentanco vrnilo veliko število ameriških umetnikov in tako ponovno investiralo v pokrajino kot predmet.
Likovne kompozicije in tihožitja
V primerjavi z glavnimi temami avtonomnega risanja - portretiranje in krajina - so vse druge manj pomembne. Kompozicije slik so zelo odvisne od slikanja njihovega časa in so pogosto neposredno povezane z njim. Zagotovo so bili umetniki, ki so v svojih risbah obravnavali teme monumentalnega slikarstva, na primer graver iz 17. stoletja in etcher Raymond de La Fage; na splošno pa je umetniški cilj likovne kompozicije slika, risba pa predstavlja le uporaben pripomoček in pot. Žanrski prizori, še posebej priljubljeni v nizkih državah iz 17. stoletja (kot so to storili na primer Adriaen Brouwer, Adriaen van Ostade in Jan Steen) ter v Franciji in Angliji iz 18. stoletja, so dosegli nekaj neodvisnega položaja. Tudi v 19. stoletju so bile risbe, ki so pripovedovale zgodbe iz vsakdanjega življenja; pogosto ilustracijske narave, lahko jih imenujemo "majhne slike", ne le zaradi pogosto večbarvnega formata, temveč tudi zaradi njihovega umetniškega izvajanja.
Tudi tihožitja lahko trdijo, da gre za avtonomne risbe, zlasti upodobitve cvetov, kot so slike nizozemskega umetnika Jana van Huysuma, ki so priljubljene že od 17. stoletja. Tudi tu je res, da dobro zasnovana ureditev spremeni takojšnjo naravoslovno študijo v slikovno kompozicijo. V nekaterih od teh kompozicij je podobnost slikanju zelo močna; na primer pasteli umetnika 19. in 20. stoletja, na primer Odilon Redon, ali delo nemškega ekspresionista 20. stoletja Emila Noldeja s svojo kromatično intenzivnostjo v celoti presegajo ločnico med risbo in slikanjem. V tihožitju, kot v krajini, so avtonomni principi forme sodobni umetniki pomembnejši od dejanske izjave.
Fantastične in nereprezentativne risbe
Risbe z namišljenimi in domišljijskimi temami so bolj neodvisne od zunanje resničnosti. Sanjske prikaze, metamorfoze in prepletanje ločenih ravni in resničnih področij so bile tradicionalne teme. Fantazmagorična dela poznega 15. stoletja Hieronima Bosha so zgodnji primer. Obstajajo alegorični kmečki prizori flamanskega umetnika iz 16. stoletja Pieterja Bruegela in pustni jedkanci francoskega umetnika Jacquesa Callota iz 17. stoletja. Drugi, katerih dela ponazarjajo, kaj je mogoče narediti z risanjem zunaj pokrajine in portretiranjem, so: italijanski graver iz 18. stoletja Giambattista Piranesi, anglo-švicarski umetnik iz 18. stoletja Henry Fuseli, angleški ilustrator Walter Crane iz 19. stoletja, francoski iz 19. stoletja Simbolistični umetnik Gustave Moreau in nadrealisti 20. stoletja.
Umetniška umetnost je z zmanjšanjem osnovnih elementov risanja - točke, črte, ravnine - v čisto obliko ponudila nove izzive. Z odpovedovanjem asociativnim telesnim in prostorskim razmerjem odpiranje razsežnosti risbe in strukture različnih medijev dobiva nov pomen. Grafične lastnosti črte v ravnini in tudi neoznačeno območje so bile že poudarjene v prejšnjih časih - na primer v grotteshi Giuseppe Arcimboldo v 16. stoletju (domišljijske ali fantastične upodobitve človeških in živalskih oblik so pogosto kombinirane z drug drugega in se prepletajo s predstavitvami listja, cvetov, sadja ali podobno) in v kaligrafskih vajah, kot so moreske (močno stiliziran linearni ornament, osnovan na listih in cvetovih) - vendar večinoma kot modeli za tiskanje ali graviranje za najrazličnejše dekorativne naloge (notranja dekoracija, pohištvo, pripomočki, nakit, orožje in podobno).
